El encuentro nacido el 2004 tendrá seis horas de música en vivo ininterrumpida, con los nombres más destacados del catálogo de esa etiqueta y que ya ha tenido tres versiones locales y otras tres extranjeras. Las presentaciones se repartirán entre un escenario al aire libre en la Plaza Zócalo, una sala para shows íntimos con cupos limitados, actividades para niños y más música en el PumaLAB. La entrada permite el acceso a todos los conciertos, aunque quienes quieran pasar a los recitales en Sala A1 deben retirar previamente cortesías para asegurar su cupo.

Los músicos participantes preparan giras promocionales al exterior, por lo que su presentación en GAM servirá como despedida parcial y vitrina para el pop chileno de mayor potencial en exportación, ése que el diario español El País calificó hace unos meses como parte de un «nuevo paraíso del pop».

El Festival Neutral tuvo versiones previas en el Teatro Novedades (2004), Galpón 9 (2005) y Centro Arte Alameda (2006), pero además salió a giras por Argentina, México y España en los últimos cuatro años.

La cita es a partir de las 16.00 horas del día sábado 10 de marzo, y las entradas ya están a la venta por sistema Ticketek a un valor de $6.000 la preventa y $8.000 el día del evento.

Más información:

www.quemasucabeza.com

En entrevista con NME, la banda reveló que se encuentran a la mitad del proceso de composición y grabación, y aunque se negó a revelar el nombre de quien producirá la placa, fuertes rumores señalan que podría ser Jacknife Lee, quien ha trabajado con bandas como U2 y R.E.M.

La agrupación norirlandesa se encuentra trabajando en su segundo material de estudio, el cual “sonará más grande”, según el guitarrista Sam Halliday. Ahora, luego de varios meses sin tener noticias al respecto. Otro de los detalles que ofreció Alex Trimble, frontman de la banda, fue que hasta el momento han grabado cuatro canciones completas durante algunas sesiones en Los Angeles.

Lo que es un hecho es que pronto tendremos un nuevo álbum de TDCC y solo queda esperar a que se conozcan los detalles de su lanzamiento.

Por Horacio Loyola

Hace 3 años más o menos un día de invierno, y después de una desilusión amorosa, comencé a buscar una película que me llevara al más profundo de los avernos sentimentales, es así como llegué a “Camino a casa” (Wo de fu qin mu qin) del director Zhang Yimou (Sorgo Rojo, La linterna roja, Keep cool y Ni uno menos).

Esta cinta es una especie de docuficción, y cuenta la historia de un profesor que llega por esos misterios del destino (juguetón hasta el cansancio) a hacer clases a un pueblito perdido en las montañas chinas. Allí conoce a su gran amor, todo esto en el contexto de una China comunista y muy dura, que no duda en usar y “desusar” a su gente. La historia no pasaría de eso, pero tiene algunos condimentos que sin duda la hacen (al menos para mí) inolvidable. Todo es relatado por el hijo de ambos, quien en ese momento está haciendo los preparativos para trasladar el cuerpo de su padre adonde su madre quiere enterrarlo. El director juega con los blancos, negros y colores. Y nos lleva conscientemente a profundizar en el pensamiento de que el amor es una visión colorida de las cosas. Esto gracias a que toda la maravillosa y triste (a ratos) historia de amor es llevada hasta nuestros ojos en un color y una fotografía alucinante, en cambio el relato del hijo, aunque sucede en tiempo presente está en el más deslavado de los blanco y negro. Esto sumado al largo camino que significa dejar a un ser amado en su último destino terrestre, logran sin duda que hoy a 3 años de haber conocido a esta preciosa pareja de amantes aún piense en ellos como la ilusión perfecta del amor eterno.

La sutileza del cine oriental y ese loco afán de sugerir más que de contar convierten a esta cinta en un verdadero canto lírico. “Camino a casa” ganó el Oso de Plata y el Premio del Jurado Ecuménico en el Festival de Cine de Berlín 2000.

Finaliza “Camino a casa” en el instante preciso en que puedo abordar el vuelo imaginario que me llevará a la Argentina de Charly y Nito; un tren y una mirada, son el inicio de “Nueces para el amor” del director Alberto Lecchi (Perdido por perdido y Operación Fangio y guionista de la gran…”Un lugar en el mundo”). Este sentimiento cinematográfico es una especie de crónica al amor y al desamor, a la belleza la ternura y la estupidez (un recurrente en mi vida amorosa).

Marcelo era apenas un niño de secundaria cuando conoció a Alicia una mujer, con bastante más mundo. Su primera relación, su primer amor, su primer desvelo, su primer mariposeo estomacal. Para Alicia tal vez algo pasajero que sin embargo se le encajó en el alma para siempre. Esta cinta además es una visión de  la dictadura militar de Videla y de los acontecimientos políticos posteriores en Argentina. Así recorremos la vida de estos personajes y la cinta va jugando con sus reencuentros, 7 años más tarde en Madrid cada uno con historias paralelas y disímiles, 8 años mas tarde nuevamente en un tren… y finalmente 8 años más para qué…

“Nueces para el amor” no es recomendable beberla en un momento de desilusión como sí lo es “Camino a casa”, así es que si lo hacen me libero de toda posible culpa frente a cualquier tipo de auto-fatality.

Las nueces de Lecchi son un canto a esas relaciones que podrían haber sido lo más importante de nuestras vidas, pero que sin embargo no fueron por miedos, condicionamientos previos o inmadurez. Este pequeño fruto tan sabroso consiguió el Gran Coral a la mejor película en el Festival de Cine de La Habana 2000 y formó parte de la selección oficial del festival de Cine de Valladolid 2000.

Porque estoy escribiendo de esto, debe ser porque hoy cuando desperté me sentí igual que hace 20 años atrás, y aquella compañerita me hacia temblar y era mi más grande motivación para soportar las tediosas clases. Esos días en que levantarse no era un tormento, el tormento era que terminarán el día, pero tenía la esperanza que al próximo amanecer podría verla nuevamente. Y llegaba ese día y ahí estaba, y las piernas temblaban, el corazón se aceleraba, no eran mariposas si no terodáctilos los que tenía en mi estomago, y apenas sacando la voz, se me escapaba un pequeño hola!!!… y pasaba por su lado, como si ese saludo fuera el más grande orgasmo que pudiese sentir. No sé cómo podría llamarse, ilusión, amor infantil, inconsciencia de adultez, qué se yo… Lo que sí sé es que sentir eso cuando tienes una par de décadas más es casi un milagro, porque los amores se van haciendo maduros, y si tienes esa impulsividad que tenías cuando eras un niño, sin duda serás condenado a portar el cartelito de “Pendejo inmaduro”. Pero si logras hacer un gran racconto de tu vida, y eres capaz de volver a tu primer gran amor y trasladar esos sentimientos a tú “madurez” actual, sin duda lo agradecerás.

Yo mientras tanto cada día me levanto con los deseos de verte, los murciélagos hacen nidos en mi estomago y aunque no te conozca se que estás ahí, es por eso que puedo sentirte, sólo tengo claro que algún día con solo mirar tus ojos te voy a reconocer, igual que allá por los años 80…  ¿Acaso recordar no es siempre revivir un poco…?

El lunes 27 y martes 28 de febrero a las 19:00 se realizará una nueva edición del Red Bull Music Academy Sessions en PUMA LAB ubicado en el Centro Gabriela Mistral GAM. El objetivo de este taller es informar sobre la academia de música, que este año se traslada a la alucinante ciudad de Nueva York, entregando detalles a quienes estén interesados en postular y aprovechar esta increíble experiencia, en la que se realizarán diversos talleres de música con profesionales y equipos de primer nivel, entre otras actividades.

Luego del éxito obtenido durante el 2011, con más de 60 postulaciones chilenas a la academia, este año, las sesiones contarán nuevamente con grandes figuras del mundo de la música. El día 27 de febrero, Joaquín García, productor musical de artistas como Los Jaivas, Los Tres y Javiera Parra, junto a Milton Mahan del Dúo Dënver y el reconocido DJ Sien Strickly, serán los encargados de compartir sus experiencias junto a los asistentes.

Para la segunda sesión, el día 28,  la reunión estará a cargo de Francisca Valenzuela, reconocida cantautora chilena de éxito internacional y el compositor, músico y productor alemán Atom Heart (AKA Señor Coconut), cerrando el día con una Jam Session donde artistas invitados compartirán su música con el público.

Ambas sesiones, serán acompañadas por Fernando Mujica, director musical de Radio Zero y de la reconocida revista de música y tendencias Extravaganza!

Las puertas se abrirán gratuitamente para todo el público pero la capacidad será limitada. Para asegurar tu asistencia reserva tu cupo en rbma@cl.redbull.com y no pierdas la oportunidad de conocer las diferentes experiencias de estos reconocidos exponentes.

Red Bull Music Academy 2012 cuenta con 60 cupos para músicos de cualquier estilo, corriente o género. Las postulaciones estarán abiertas desde el 02 de febrero hasta el 02 de abril a través de www.redbullmusicacademy.com, y serán recibidas en PUMA LAB hasta esa fecha para luego ser mandadas a la academia.

Todas las funciones incluyen a aplaudidas cintas relacionadas con la memoria y los pueblos originarios. Es el caso de “Nostalgia de la luz” de Patricio Guzmán, largometraje que inaugurará la muestra, empalmando las vivencias de un grupo de astrónomos que estudian el universo en el norte de Chile, con las de mujeres que buscan en el desierto y con una pequeña pala, los restos de sus familiares detenidos desaparecidos.

“En Chile se realiza cine de calidad y el documental se destaca en eso. Sin embargo, aún falta consolidar el nexo con el público. Nuestra misión es sumar espectadores al género en un espacio distinto al tradicional, el que permite además del goce estético y artístico, reflexionar sobre diversos temas y reconocernos en cada una de estas obras”, afirma Viviana Erpel, productora general de Documentales en el Parque.

Elegido el Mejor Documental Europeo y estrenado en Cannes en 2010, “Nostalgia de la luz” encabeza la programación de Documentales en el Parque 2012 que también incluye a “Celebraciones del Centenario de la República” un registro sobre los festejos que se realizaron en el Parque Cousiño y en el Museo de Bellas Artes en el Chile de 1910; además de documentales como “Aniceto, razón de Estado” de Guido Brevis,”Calafate Zoológicos Humanos” de Hans Mülchi, “Mocha” de Guillermo Ribbeck, “Memorias del Viento” de Katherina Harder y “La Mudanza” de Tatiana Lorca. “De estos tres últimos destacamos la capacidad de los realizadores para adentrarse en la intimidad, ya sea de una persona, una familia o de una pequeña isla, logrando que lo trivial de esos espacios de vida se revalorice y se convierta en una entrañable historia”, dice Erpel.

El documental “Chela: sobre sueños, amores y lucha en Chile” de Lars Palmgren, Göran Gester y Lars Bildt es otro imperdible de estas jornadas cinéfilas al aire libre. Este trabajo, realizado para la TV Sueca el año 85, retrata la juventud en la Población La Legua de los años 80 y bajo la dictadura de Pinochet.

“También estarán presentes las nuevas mujeres del documental, ganadoras ambas de las últimas dos versiones de FIDOCS: Macarena Aguiló con ‘El Edificio de los chilenos’ y María Paz González con ‘Hija’”, agrega la productora general.

La muestra continúa con los capítulos “Dominga Neculmán” y “Agrupación Adulto Mayor Julia Corvacho Ugarte” de la serie producida y realizada el 2011 por el Consejo de la Cultura, “Tesoros Humanos Vivos”, de Sebastián Moreno, donde el director de “La ciudad de los fotógrafos” rescata historias de anónimos embajadores de nuestro patrimonio inmaterial. “Como verán, la calidad, la diversidad y la identidad de mundos personales y de nosotros como país retratados en el cine documental, quedarán a su disposición en las próximas jornadas de Documentales en el Parque”, concluye Erpel.

El evento, financiado por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, es organizado por Culdoc y cuenta con el patrocinio de la Municipalidad de Santiago y la colaboración del Museo de Arte Contemporáneo (MAC) y la Cineteca Nacional de Chile.

SOBRE LAS FUNCIONES “Documentales en el Parque”

FECHA: Del 22 al 25 de febrero

HORA: Las funciones comienzan siempre a las 21:00 horas

LUGAR: Parque Forestal. Frontis del Museo de Arte Contemporáneo

FUNCIONES: Programación de tres filmes diarios

ENTRADA LIBERADA

Por Jean Paul Hernaiz

El Kind Of Blue es uno de aquellos discos que está tan sumergido en un lugar de referencia y culto, que al leer sobre él, siempre vas a encontrar calificativos tales como “clásico” “mítico” y por qué no, “pionero”. El cuento es que a pesar de todo, todo eso es cierto. Suena a lo que tú creerías suena álbum de jazz definitivo; y para hacerte una idea, crea además, la exacta idea de lo que tú crees suena a jazz. Líneas de bajo lujosas y aterciopeladas, notas gentiles de piano, y lo más importante: las cinco canciones del disco se terminaron en nueve horas repartidas en dos sesiones, con la trompeta de Davis en liderazgo. Poquísimo, considerando que Davis jamás dejaba que su banda viera las partituras antes de entrar a la sala de ensayo. Solo de esa manera, él creía que nacería la espontaneidad de la improvisación y la intervención. En este disco están los mejores jazzistas de la época. Tipos que como a él, la noche de a poco se los fue comiendo. Estrellas caídas a punta de pinchazos en el brazo y otras hierbas. John Coltrane, Bill Evans, Cannonball Adderley… Se supone que tres canciones se grabaron en un tono equivocado. Como si alguien se hubiera dado cuenta.

Gracias a este disco, surgió el estilo jazzistico llamado “cool”. De aquí viene también la palabra que hasta el día de hoy se usa. Y a pesar de que hoy es solo una representación de su significado, en el pasado el cool se refería a la manera fría y elegante a la hora de presentarse. Siempre con garbo, estilo y el con el arte de ser un cabrón. Enjoy.

TEMAS FAVORITOS

• So What
• Freddie Freeloader

• Flamenco Sketches

La placa que fue publicada originalmente en 1999, ahora será lanzado al mercado con el título de “Hours: The Collectors Edition”. El disco, además de ser remasterizado, contendrá cinco temas extra, un gráfico de diez paneles en digipak y las letras de las canciones.

A continuación detallamos el tracklist en su totalidad.

‘Thursday’s Child’
‘Something In The Air’
‘Survive’
‘If I’m Dreaming My Life’
‘Seven’
‘What’s Really Happening?’
‘The Pretty Things Are Going To Hell’
‘New Angels Of Promise’
‘Brilliant Adventure’
‘The Dreamers’
‘Something In The Air (American Psycho Remix)’
‘Survive (Maruis de Vries Mix)’
‘Seven (maqueta)’
‘The Pretty Things Are Going To Hell (Stigmata Film Version)’
‘We All Go Through’

El cuerpo de la artista se entregará a su familia en los próximos días, indicó la oficina de medicina forense de Los Ángeles. Además funcionarios de dicha institución dijeron que no difundirán ninguna información sobre una autopsia a solicitud de detectives de la policía que investigan la muerte de la cantante,  las autoridades no descartarán ninguna causa de muerte hasta tener los resultados de las pruebas de toxicología, que probablemente tarden semanas.

Sin embargo, resulta imposible no acordarse de la gran lista de artistas que nos dejan a una temprana edad a la que se une la diva del soul. El talento descomunal se cruzó con el dominio de las drogas en la inmensa mayoría de los casos de Mickael Jackson, Elvis Presley, Freddy Mercury, Bob Marley, Sid Vicious, Amy Winehouse,  Janis Joplin, Kurt Cobain, Jimmy Hendrix y Jim Morrison.

Los Grammys y estreno póstumo

En tanto ayer, en la ceremonia del Grammy se homenajeó a Houston, que llegó a ganar seis de estos premios. El anfitrión de la velada, LL Cool J, presentó un clip al comenzar el espectáculo en el que una radiante Houston cantaba su característica versión del tema de Dolly Parton “I Will Always Love You”.

Bonnie Raitt y Stevie Wonder estuvieron entre los artistas que alabaron a Houston y Jennifer Hudson coronó los homenajes con una emotiva interpretación de “I Will Always Love You”, que terminó con una nota personal: “Whitney, nosotros siempre te amaremos”.

Lo que dejó Whitney pendiente es el estreno para agosto de la película ‘Sparkle’, ya que la participación de la cantante en la misma ya estaba finiquitada, con todas sus escenas grabadas. ‘Sparkle’, ahora en fase de postproducción, es un remake de un musical de los años 70, que cuenta la historia del grupo ‘The Supremes’, en el que Whitney Houston interpreta a Emma, la madre de la protagonista, a la que da vida Jordin Sparks.

El film se convertirá, en un homenaje a la malograda Whitney Houston y se estrenará en los cines de Estados Unidos el 17 de agosto, según confirmó Sony Pictures. Las últimas canciones grabadas por Whitney Houston aparecerán en ese filme. Sin embargo, se rumorea que puede aparecer un disco nuevo completo que la cantante habría grabado en recientes fechas. Lo que sí es seguro es que se reeditarán todos sus trabajos anteriores.

www.youtube.com/watch?v=PiZlV-6gtV4

Por Il Gimón

Xiu Xiu – Always (Polyvinyl, 2012)

Con su característica agonía, el ahora quinteto californiano Xiu Xiu trae este año su segundo álbum bajo el sello Polyvinyl. Una nueva alineación acompaña a Jamie Stewart y Angela Seo en doce cortes llenos de elementos de sonidos electrónicos depresivos pero bailables, letras cargadas de temas controversiales y auto desprecio, además la producción de Greg Saunier de Deehoof, quien a su vez colabora con baterías y voces. Marcando una década como proyecto, Jamie vocifera historias sobre aborto (I Luv Abortion), tortura y asesinato “por deporte” (Gul Mudin), mención a los involucrados en el proyecto a lo largo de sus diez años (Beauty Towne), además del primer single, Hi, que funciona como una especie de himno de desmotivación eterna (“Si estás desperdiciando tu vida, di hola/si estás solo esta noche, di hola/si quisieras que él se muriera, di hola-hola-hola”). Cabe destacar la similitud del final de este álbum que coincide en el tópico de incesto, y hasta sirve como continuación al cierre de Women As Lovers del 2008. Xiu Xiu sigue manteniéndose como un proyecto de avant-pop, mientras evoluciona dentro de su propio estilo trasgresor.

Canciones recomendadas: “I Luv Abortion”, “Hi”, “Honey-Suckle”.

Altered Images – Pinky Blue (Epic, 1982)

Luego de un excelente debut ligeramente oscuro, la agrupación británica Altered Images presenta un segundo álbum donde se jactan de lograr un perfecto balance entre pop/new wave y post punk. El productor Martin Rushent, conocido por sus trabajos con Buzzcocks, Human League e incluso el primer álbum de Altered Images, fue el encargado de capturar en once canciones la mágica voz de Clare Grogan, el impecable bajo de Johnny McElhone (posteriormente bajista de Texas), las juguetonas guitarras de Tony McDaid y Jim McKiven, y la sólida batería de Michael Anderson. Siendo el álbum más vendido de su corta pero concisa carrera, logrando el Disco de Plata en Reino Unido, recibió críticas mixtas donde se mencionaba de manera despectiva sobre la inclusión de la versión de Neil Diamond “Song Sung Blue”. Un tema homónimo inicia enérgicamente el álbum, dejando claro que el estilo de la banda se mueve a sonidos más coloridos, posiblemente relacionado con el nombre del álbum, siendo “Funny Funny Me” la canción más upbeat y divertida. Interesante la inclusión de una versión bailable extendida de “I Could Be Happy” en el álbum, cosa que generalmente sucede en el lanzamientos de singles.

Canciones recomendadas: “Pinky Blue”, “Little Brown Head”, “Funny Funny Me”.

Dylan acaba de cerrar con una productora de alcance regional su tercer espectáculo en la capital. La cita será a principios de mayo y aún no está definido el lugar, aunque todos los rumores apuntan hacia el Movistar Arena, el mismo recinto donde la última vez juntó a cerca de 10 mil personas.

La gira le ha permitido llegar a lugares impensados como Israel, China -donde debutó en 2011, Taiwán o Vietnam.

En la actualidad, como ya lo habíamos anunciado, Amnistía Internacional lanzó el mayor homenaje al cantautor, con el álbum cuádruple Chimes of freedom y que tiene a ilustres tan disímiles como Elvis Costello, Diana Krall, Patti Smith, Maroon 5, Queens of the Stone Age, Adele y Miley Cyrus realizando covers de su amplia obra musical. En total, se trata de 73 canciones que se lanzaron y que dividieron a la crítica, alabando algunas reversiones y destrozando otras, acá se puede ver el el tracklist completo: http://www.rocanrol.cl/2011/11/tracklist-de-nuevo-disco-tributo-a-bob-dylan/

]]> http://www.rocanrol.cl/2012/02/bob-dylan-regresa-a-santiago/feed/ 0 http://www.rocanrol.cl/2012/02/stripsearch-cierra-los-ojos-y-disfruta/ http://www.rocanrol.cl/2012/02/stripsearch-cierra-los-ojos-y-disfruta/#comments Fri, 10 Feb 2012 02:46:01 +0000 Rocanrol http://www.rocanrol.cl/?p=5708 A quién no le ha pasado que escucha una canción y sienten amor a primer oído. Ni idea quién la canta, sólo te hipnotiza la melodía y esa voz misteriosa. Todo comenzó un día, cuando me enclaustré a escribir unos artículos y me alejé de toda distracción en mi hogar. Llegué al living, puse la radio para escuchar música atípica, para evitar cantar mi playlist y fue ahí que oí esta canción desconocida…

Por Daniela Valenzuela

Corrí a subirla y dejé que recorriera mi cuerpo, entrara por mis oídos y se alojara en mi disco duro. El tiempo pasó muy rápido. Se acabó y no alcancé a saber quién o quiénes interpretaban esta canción. Era una mezcla entre Mike Patton y Brandon Boyd. No tenía ninguna pista, sólo el recuerdo del tema que me transportaba a otra dimensión.

¡Que pena! no pude escuchar ninguna frase para buscarla en Google y es que mi estado de shock y mi spanglish no pudieron distinguir ningún bendito trozo. Para que decir, cuando se la tarareaba con emoción a alguien y terminaban mirándome con un signo de interrogación en la cara. Deben haber sido unas tres veces que me pasó lo mismo. La escuchaba, pero sin saber…

Finalmente, por obra de magia puse una lista de reproducción de Faith No More y ahí estaba. Mis intuiciones no estaban muy  lejos. No me perdono el no haber tenido todas las canciones del “Álbum of the Year”, me estaba perdiendo la mitad de mi vida. Y pensar que desde 1997 existía esta obra de arte con acordes que realmente seducen. Incluso, en versiones en vivo se puede ver a Patton haciendo beatbox.

Pero, si hay algo indescriptible es la genialidad del sonido del bajo. El mismísimo bajista, Billy Gould, reconoce que el loop del principio hace la diferencia en la canción y le da un toque más oscuro.

Stripsearch, es una de esas canciones con las que entiendes porqué esta banda californiana es una de las más influyentes del planeta.

Formó bandas desde Almendra, en 1967, a la que les siguió Pescado Rabioso, Invisible, Spinetta Jade, hasta dedicarse a su carrera como solista, a mediados de los 80. En 2007, Artaud , el tercer disco que lanzó con Pescado Rabioso.

Estuvo activo hasta que hizo pública su enfermedad este 23 de diciembre, en medio de confusas versiones en torno a su salud. Lo hizo a través de una emotiva carta, difundida a través de la cuenta de Twitter de uno de sus hijos: “Desde el mes de julio sé que tengo cáncer de pulmón. Estoy muy cuidado por una familia amorosa, por los amigos del alma, y por los mejores médicos que tenemos en el país. Ante el aluvión de información inexacta, quiero aclarar públicamente las condiciones de mi estado de salud. Me encuentro muy bien, en pleno tratamiento hacia una curación definitiva”, escribió el Flaco.

En diciembre del 2010 rememoró en Chile sus temas con un show en el Festival El Abrazo. A partir de ese momento, sus presentaciones fueron más esporádicas aunque siguió liderando la grilla de los principales festivales argentinos.

Un poco más de un año después fallece el (8 de enero del 2012) y su cuerpo es despedido por su familia y un grupo de amigos, y será cremado en el cementerio Memorial, de la localidad bonaerense de Pilar. A los 62 años nos deja nuestro querido flaco y nosotros desde acá ya estamos rezando por vos.

“Mientras la luna brille, y el sol no caiga, yo estaré feliz… Un sueño de luz, como un amanecer… no pasará al olvido…” Palabra de Spinetta

Por María de la Paz Roccolano
Fotos: The Fernandos

La banda, está formada por cinco jóvenes de distintas partes de la zona de La Serena y Coquimbo, que producto del azar y la música se reúnen a finales del año 2009 para formar el proyecto. Partieron tocando algunos covers de artistas que les gustaban, y a eso le agregaban alguna canción de su autoría. En ese entonces tenían unas tres canciones y tocaban en algunos pubs y fiestas a las que los invitaban.

De vez en cuando compartían escenario con otros grupos de la ciudad para apoyarse y así tener más gente en las tocatas. No tenían buenos instrumentos y siempre eran los teloneros de otra banda. De a poco fueron haciendo las cosas de mejor manera y poniéndose serios. Así dejaron de tocar covers y decidieron crear más canciones, para después grabarlas más profesionalmente.

Todos formaban parte de conjuntos que tocaban en el Barrio Inglés de Coquimbo,  donde interpretaban temas de músicos conocidos para ganar algo de plata. Abandonaron esos proyectos por las ganas de crear una banda con temas propios. Y así de a poco fueron reclutando a quienes serían hoy The Fernandos. Por primera vez establecían un grupo cohesionado, con las mismas influencias y con las mismas pretensiones.

La banda integrada por Ricardo Méndez en voz y guitarra; Juan Lagos en bajo;  Sebastián Catalán en guitarra; Felipe Sepúlveda también en Guitarra y Cristóbal Olivares en Batería, se definen como Indie Rock/Pop, aunque según sus propias palabras “es difícil de encasillarnos, porque en el disco tenemos canciones con ribetes Bossa nova, que fueron de las últimas composiciones”.

Sus sonidos nacen del Rock Clásico, Brit Pop y de bandas Indie del 2001 en adelante. The Beatles, The Doors, Oasis, The Strokes, The Libertines, Babyshambles, sólo por nombrar algunas, también están en su memoria, porque según sus palabras: “escuchamos de todo, hay hasta algo de Guns N Roses, Sex Pistols y Joy Division que han estado siempre presente como inspiración en nuestras composiciones”. Cabe destacar que su estética también viene de las influencias musicales.

Desde que comenzaron, han pasado por muchas cosas, lo más difícil ha sido encontrar a los compañeros adecuados. Después el componer y tratar de mejorar. Mover mar, cielo y tierra para conseguir recursos que les permitieran grabar su música. El camino transitado ha sido difícil “Te vas a cansar, vas a caer al suelo y te van a patear, pero hay que saber reponerse y seguir adelante. Nos dejó un integrante y tuvimos que encontrar a un remplazo. Nos han cerrado puertas, pero hemos encontrado otras. Pero todo esto lo haces porque nos gusta, y en el fondo estamos dispuesto a aceptar todo”. Reflexiona The Fernandos.

Cuando chicos, Ricardo quería ser John Lennon; Juan, al principio un Power Ranger, pero después maduró y quería ser micrero porque andaban con “cachá´s” de moneas; Cristóbal pensaba ser caricaturista; Sebastián soñaba con ser piloto de aviones y Felipe fue el único que siempre quiso ser ¡Rockstar!. Todos tenía sueños disímiles, y nunca imaginaron que en el 2010 iban a participar en el Pepsi Al Máximo, donde llegaron a ser finalistas zonales, “Queríamos tanto ganar y al final perdimos y de la rabia nos robamos todas las botellas de Pepsi que habían en un cooler, atrás del escenario y nos fuimos a pasar las penas mezclándolas con Pisco. Menos mal que perdimos, porque la piscola siempre se va a mezclar con Coca-Cola” confiesan.

En la actualidad, siempre están escuchando nuevas bandas que arroja el Indie. Blues y harto Rock son muchas de esas influencias que apuntan a su nuevo trabajo y según sus palabras el disco sonará “algo más pesado”. Para el futuro se viene un EP y para este verano dos videos nuevos y fechas para tocar que ojalá los traigan por Santiago. Además de seguir promocionando el disco “Un Cuento” (2011) que pueden descargar en http://www.mediafire.com/?yadhjctnt69vta6 También puede escuchar su música en http://www.myspace.com/thefernandoschile y acá les dejamos el vídeo Oficial de “Algo tiene que cambiar”:

www.youtube.com/watch?v=9Soo4KGaqRo

Esta sería la segunda vez que Devendra Banhart pisa suelo chileno,  la primera vez fue en la edición 2011 de Lollapalooza, en donde atiborró el teatro La Cúpula. En tanto, los británicos de Hot Chip, quienes también visitaron nuestro país, se presentarán con un DJ set, recordando su paso por el Teatro Caupolicán el 24 de noviembre de 2010, donde más de 5 mil fans disfrutaron del show.

Banhart aparecerá junto a su banda cerca de las 23 horas, con un espectáculo de poco más de 60 minutos que recorrerá sus siete discos a la fecha, con foco en What will we be (2009), su última entrega y uno de sus trabajos más diversos. Entre sus planes más actuales está la colaboración junto a los brasileños Marisa Monte y Rodrigo Amarante para un álbum benéfico de la fundación Red Hot Rio.

Por su parte, los británicos de Hot Chip, dueños de una discografía de cuatro álbumes, saltarán a escena pasada la medianoche y en un formato de DJ set. El espectáculo utilizará todos los espacios de Muelle Barón.

El evento tiene carácter privado y la marca que trae a los artistas sólo repartirá 600 entradas, las que serían sorteadas al público a través de sus distintas plataformas de difusión y redes sociales como Twitter.

Hace tiempo que no teníamos noticias de estos dos amigos de larga data, y es que este 2012 se viene movido para estos artista, puesto a que este próximo 13 de marzo, el sello Nonesuch editará un nuevo álbum en vivo de nuestro querido David Byrne y el carioca Caetano Veloso.

Las grabaciones corresponden a un set acústico que ambos  artistas dieron en el Carnegie Hall de Nueva York en 2004 y que fueron parte de los encuentros Perspectives curados por Veloso.

El álbum muestra al ex Talking Heads y al brasilero interpretando canciones en solitario y en conjunto, acompañados por el chelista Jaques Morelenbaum y el precusionista Mauro Refosco. Así, tocaron temas de los amplios catálogos de ambos, incluidos algunos de la banda fundada por Byrne.

A continuación la lista de temas de Caetano Veloso and David Byrne: Live at Carnegie Hall (2012):

1. Desde Que o Samba é Samba
2. Você é Linda
3. Sampa
4. O Leãozinho
5 Coração Vagabundo
6. Manhatã
7. The Revolution
8. Everyone’s in Love With You
9. And She Was
10. She Only Sleeps
11. Life During Wartime
12. God’s Child
13. Road to Nowhere
14. Dreamworld: Marco de Canaveses
15. Um Canto de Afoxé para o Bloco do Ilê
16. (Nothing But) Flowers
17. Terra
18. Heaven

Admirador de las más grandes figuras del soul, Hawthorne revitaliza este género inmortal y lo introduce a nuevas generaciones a punta de talento, elegancia y pasión.

Prueba de esto, es que la más grande entre los grandes, la magnífica Amy Winehouse, salió de tour con Hawthorne en enero del 2011 y también diversos artistas se han declarado fanáticos de Mayer, algunos son: Snoop Dogg, Justin Timberlake y Kanye West, entre otros.

Mayer Hawthorne hace un año encantó al público chileno en su exitosa presentación en el Teatro La Cúpula y ahora regresa por más.

Tras un espectacular debut con su álbum “Strange Arrangements” de 2009, “HOW DO YOU DO” repite el éxito de crítica y de ventas, gracias a lo cual logró debutar en el #10 general y en el #1 del chart R&B de iTunes.  Su primer single “The Walk” ya se encuentra rotando en las radios del país.

Las entradas para ver a Mayer Hawthorne en Chile ya están a la venta en:
- Sistema PuntoTicket: Tiendas Ripley y Cinemark habilitados
- Sin recargo en tienda Sold Out (Av. Providencia 2198 – Portal Lyon, local 79)
- Sin recargo Boleterías de Amanda

Valor: $15.000 (más recargo por sistema)

Los tickets estarán disponibles a través del sistema Punto Ticket y los valores son los siguientes:

• Tribuna: 18.000 pesos.
• Platea alta: 26.000.
• Cancha general: 35.000.
• Platea baja silver: 38.000.
• Platea baja golden: 48.000.
• Cancha VIP: 60.000.

Como sea, el intérprete de “Suedehead” y “The more you ignore me, the closer I get”, quedaría para el viernes 24 de febrero en Viña, misma jornada en que también se presentan Salvatore Adamo y Daniel Muñoz con los 3×7 Veintiuna y para el 26 en Santiago.

El día de hoy mediante la cuenta de twitter de Pulp (@pulp2011) y su pagina web la banda dio a conocer 3 nuevas fechas en su gira actual la cual queda de la siguiente manera:

11 de Abril Radio City Music Hall, New York

13 de Abril Coachella

17 de Abril Warfield San Francisco

20 de Abril Coachella

4 de Mayo SOS Festival Murcia, España

La formación original del mítico grupo británico Pulp se reunió el pasado año para realizar una gira que comenzó el 27 de mayo en el Primavera Sound de Barcelona, y un año después el sexteto de Shefield volverá a España para ofrecer un nuevo concierto en la quinta edición del festival Estrella Levante SOS 4.8.

Con la ayuda del productor Tommy LiPuma y la gran Diana Krall y su banda, más invitados de la talla de Eric Clapton y Stevie Wonder  quienes  participan, respectivamente, en los nuevos temas originales “My Valentine” y “Only Our Hearts”. Eric también toca su guitarra en “Get Yourself Another Foo”.

El nuevo disco de McCartney es un viaje personal a través de las composiciones clásicas del cancionero norteamericano que un joven Paul escuchó mientras su padre las tocaba en el piano de su casa durante reuniones familiares.

El arte de tapa fue realizado por Jonathan Schofield y diseñado por Matthew Cooper, que trabajó con artistas como Arctic Monkeys y Franz Ferdinand. Paul fue fotografiado por su hija Mary McCartney para la portada.

El álbum saldrá a la venta a principios de febrero y se conoce el track list y se puede pre-ordenar a través de http://store.paulmccartney.com/kissesonthebottom/usd.php

Listado de temas:

01. I’m Gonna Sit Right Down And Write Myself A Letter

02. Home (When Shadows all)

03. It’s Only A Paper Moon

04. More I Cannot Wish You

05. The Glory Of Love

06. We Three (My Echo, My Shadow And Me)

07. Ac-Cent-Tchu-Ate The Positive 08. My Valentine

09. Always

10. My Very Good Friend The Milkman

11. Bye Bye Blackbird

12. Get Yourself Another Fool

13. The Inch Worm

14. Only Our Hearts

Por Il Gimón

Cloud Nothings – Attack On Memory (Carpark, 2012)

Luego de una recopilación de sus grabaciones caseras lo-fi (Turning On, 2010) y su enérgico debut discográfico, repleto de angustia adolescente y la constante preocupación de envejecer (Cloud Nothings, 2011), Dylan Baldi presenta su segundo larga duración donde lo primero que llama la atención es la madurez que ha adquirido tanto en su música como en su composición. Los estribillos pop y el particular fraseo de este joven de Cleveland quedan en un segundo plano ante la bien pensada manufactura de estas ocho nuevas canciones, que aunque aún puede recordarnos a Jawbreaker, Osker e incluso los primeros discos de Green Day, significan una evolución en su proceso de creación, que ha quedado muy bien plasmado por el trabajo de producción de Steve Albini, quien es reconocido por sus trabajos con Nirvana, Pixies y PJ Harvey entre otros. Es notable el ejercicio de composición de este disco, en el que Dylan se propone escuchar sólo música previa a su nacimiento, a principios de los 90, por lo que la nostalgia pasa a ser el tópico en varias de las canciones (“No Sentiment”, “No Future/No Past”) y sin duda llama la atención el acercamiento a sonidos más pesados que evocan a Slint y Bitch Magnet sin abandonar ganchos pop propios de este proyecto.

Canciones recomendadas: “Wasted Days”, “Fall In”, “No Sentiment”.

Embellish – Wake Me Up (March, 2000)

Es indudable la facilidad que tienen los escandinavos para hacer el pop más hermoso e inocente y los daneses de Embellish no son excepción. Su primer y único disco es lanzado por la misteriosamente desaparecida March Records, disquera de Nueva York especializada en indie pop. Es casi increíble como en poco más de 40 minutos de duración, existe un perfecto balance entre dulces armonías vocales, letras cargadas de humor negro y sexo explícito, además de solos dignos de una banda de metal de los 80. Este sexteto, inactivo ya (1994-2003), podría confundir al escucha con una banda inglesa por el perfecto fraseo y preciosa voz de Claus Hansen quien en un idioma foráneo para él, canta una particular agridulce poesía como en el caso de “Drug Dealer” (“No me importa quién seas, incluso si eres un indigente o un traficante de drogas”), o Ambivalence (“Así que ponte de rodillas y déjame penetrarte por detrás”), combinado con las vocalizaciones dulces de las coristas (¡sí! ¡Coristas!) Tora y Julie. En definitiva, un álbum que no pretende cambiar el mundo sino hacer sonreír.

Canciones recomendadas: “Ambivalence”, “You”, “I Don’t Know”.