
Entrevista a Austin Stambaugh: Un pionero folk contemporáneo
Austin Stambaugh, oriundo del noreste de Ohio, es mucho más que un músico: es un poeta errante, un baladista que esculpe relatos con acordes y un narrador que transforma las historias cotidianas en universos íntimos. Su música no se escucha; se habita. Desde el primer compás, las melodías te envuelven como un viento cálido, arrastrándote hacia un paisaje sonoro donde el folk, el blues y el rock se funden con delicados toques modernos. Su obra no es solo música; es un artefacto atemporal, lleno de matices que resuenan en el alma.
Por Barbara Molina
Stambaugh se erige como un pionero del folk contemporáneo, un arquitecto de emociones que construye sus canciones con una honestidad desgarradora. Cada letra es un susurro confesional, cada nota un latido cuidadosamente colocado. Su atención obsesiva a los detalles —la forma en que cada instrumento se ajusta a la narrativa, cómo las melodías se pliegan a las palabras— crea un efecto casi hipnótico. Es una música que invita a perderse en ese crepúsculo emocional donde la nostalgia y la euforia se entrelazan. Bailas, pero también reflexionas; te pierdes, pero al mismo tiempo te encuentras.
Para adentrarse en el mundo de este artista, los invitamos a explorar esta entrevista y sumergirse en su discografía. Escuchar a Austin Stambaugh no es solo un acto de descubrimiento; es una experiencia que deja huella, una invitación a perderse en la belleza de lo eterno.
Cuando tenía diez años me invadió una extraña sensación y desde entonces supe lo que quería hacer el resto de mi vida. Quería ser guitarrista y quería irme de casa. Sentía que había algo más para mí fuera de donde había nacido. Crecí y cursé los estudios necesarios pensando todo el tiempo que algún día saldría de allí”.
La ciudad real de Nashville
Nashville es una ciudad en Estados Unidos donde musicalmente hay una gran variedad de géneros en la escena musical lo cual con lleva a una unión especial porque gente va y disfruta de los shows de gente famosa y no famosa lo cual es algo interesante y muy bueno para los artistas. Y la escena en Nashville es extrema y la gente apoya mucho y eso lo ha ido aprendiendo a lo largo de su camino “La gente real es extremadamente real. La gente falsa es extremadamente falsa. Los violinistas son extremadamente violinistas. Aquí no hay término medio. Las personas que más se parecen a sí mismas son las que superan las crisis de identidad y la ilusión de que existe un público ajeno”.
Al momento de entrar al estudio para grabar, todo este viaje musical y único que transmite con sus sonidos se refleja en los tipos de instrumentos que utiliza como su guitarra acústica martin d-35 del 2021 y una hermosisima telecaster del 73 pero el proceso de grabación es diferente en cada ocasión y cada tipo de disco que hace. “Quiero que los sonidos que diseño existan en algún lugar del espectro entre el amor y el miedo. Cuando grabo con una banda, intento seguir la música en directo. Sobre todo la voz principal. Creo que si puedo hacerlo lo mejor posible una sola vez, no tengo que plantearme otras posibilidades. Si lo he hecho lo mejor que he podido, para mí suena lo mejor que he podido, y eso es lo que me importa. Al final del día tengo que vivir conmigo mismo y vivir sin arrepentimientos”.
¿Cómo te sientes tocando en vivo frente a estar en un estudio?
Siempre estoy aprendiendo la forma correcta de hacer las cosas. No siempre gano, pero siempre estoy jugando a controlarme. Cuando puedo controlar mi voz y no excederme rápidamente, entonces puedo alcanzar un término medio y puedo cantar toda la noche sin forzar la voz. He aprendido a no cantar para el público, sino para los dioses. Siempre estoy nervioso y nunca se me ha dado bien fingir, actuar o «montar un espectáculo». A veces, cuando toco en vivo, me pongo de cara a la señal de salida, para poder dividir la sala en dos mitades iguales y estar en medio de ambos lados. Así siento que estoy por encima de las paredes y puedo ejercitarme como un espíritu. Sé que he hecho un buen trabajo cuando me siento más ligero después de cantar. Siento como si el mal me abandonara, o como si me suavizara y me dieran ganas de llorar. Me dan ganas de tener una conversación dura, me dan ganas de marcar el camino hasta que me quemo en el sueño. Mi canción favorita para tocar en directo es “Ain‘t Through Being Lonely Yet”, me resulta fácil ponerme en el lugar en el que estaba cuando la escribí. Es una canción divertida para tocar con una banda. Es una canción divertida de arrastrar.
Teniendo en cuenta que has tocado en muchos conciertos y has pasado por diferentes ciudades, ¿Hay algún momento que destaques mientras has estado de gira?
Sí, por supuesto. Ha habido muchas cosas terroríficas y triunfantes que me llevaría mucho tiempo escribir. En su lugar, contaré lo más bonito que he visto en todo el año. Vi la Costa Oeste por primera vez en mi vida y visité California. Salí de Bakersfield, California, una mañana a eso de las seis y media con mi compañero de viaje compositor From Nowhere Wil, y era finales de febrero y la niebla era tan espesa que parecía “The mist” de Stephen King. Y al lado de la carretera, mientras conducía a través de la niebla, pasé kilómetros y kilómetros de lavandas en flor a ambos lados. Era lo más bonito que se podía ver. Me sentí como si estuviera dentro de un joyero místico.
Sus Influencias
Su arte evoca ecos de grandes leyendas como Bob Dylan, The Doors y Lou Reed, no por imitación, sino por esa misma capacidad de convertir lo cotidiano en poesía y lo personal en universal. Stambaugh no solo canta historias; las revive, las transforma en algo que trasciende el tiempo y el espacio.
¿Cuáles son sus principales influencias?
Mis cuatro influencias principales son: Bob Dylan (“Sad eyed Lady of The Lowlands” la escuché con quince años y me hechizó y me inspiró tanto que supe que mi corazón nunca cambiaría), Townes Van Zandt – es un guía espiritual para mí en esta vida, además de un héroe compositor. Su hija Katie Belle me regaló hace unos años una chaqueta que perteneció a Townes y creo que es un símbolo de lo que debo hacer en esta vida o una especie de «bastón de mando», Lucia Berlin – es mi escritora de cuentos favorita. Empecé a leerla durante Covid. Empecé a hacerme ilusiones de que era mi novia, me inspiró para empezar a terminar historias, y su forma de escribir era tan realista y mundana que empecé a ver la vida real de otra manera. Cada cosa normal de repente ganaba miles de kilos y me llevó a la peligrosa frontera entre observar la vida y vivirla. Y tener la perspectiva de pintar santos de entre los escombros. El cuarto fue Bruce Weigl, un poeta veterano de Vietnam que fue mi profesor en el colegio comunitario de mi localidad. Me introdujo en el mundo de la literatura contemporánea. Me inspiró a salir de la conciencia de culto rural y a desafiar mis creencias justo cuando dejé el instituto. Leí su libro de 1988 «Song of Napalm», que fue finalista del Premio Pulitzer. Es una influencia vital para mí.
Si no te dedicarías a la música, ¿a qué te dedicarías?
Si no hiciera música, habría nacido en otra vida. Si pierdo un miembro en esta vida y ya no puedo tocar música, entonces sería novelista. Escribiría y escribiría para liberarme. Si no tuviera inclinaciones musicales, quizá sería barbero, o algo relacionado con el diseño físico, alguna vocación del viejo mundo.
¿Cuál es la inspiración detrás de tu arte y si colaboras en los diseños?
En gran medida, creo todas las portadas de mis álbumes. Siempre me han obsesionado las marcas y los envases. Me encanta que el espacio negativo tenga algo que decir. Suelo tener una idea de cómo va a quedar un proyecto y luego la sigo y el resultado final se mantiene tras una serie de compromisos. En el caso de Electric Weepers, quería que tuviera un aspecto en parte Cramps y en parte Courage The Cowardly Dog; esa escena de la introducción en la que Courage está frente a la luz de las velas y su sombra se convierte en un demonio siempre me ha parecido genial. Todo es mejor con investigación. Empiezo copiando un diseño que me encanta, y luego se transforma en algo nuevo y original. Colaboro con el pasado, con el presente y con una buena noche de sueño.
En tus canciones, ¿hay algún mensaje especial que quieras transmitir?
Espero que mis canciones inspiren a otros a escribir las suyas. Todos tenemos historias y todas merecen ser escritas en forma de canción. Siempre recuerdo algo que dijo Tom Waits: “Todo el mundo lleva dentro una gran novela”. Quiero que mis canciones inspiren las grandes novelas de los demás. Quiero que el arte de los demás transforme sus vidas y se convierta en su identidad.
Si hubiera un momento en el que pudieras colaborar con cualquier artista, autor, banda, etc., ¿Quién sería?
Me gustaría colaborar con Daniel Romano, un cantautor canadiense. Mi intérprete de steel me enseñó su música hace unos años, antes de irnos de Ohio, y me encanta la esencia de acordes menores de la música de Daniel y lo prolífico que es.
Ya que esta revista es de Chile. ¿Hay algún artista, banda o autor que conozcas de Chile? ¿Y te gustaría alguna vez hacer una gira por Chile o Sudamérica?
Me encantaría ir a Chile siempre que fuera posible. Alguien me dijo hace tiempo ‘viaja siempre que puedas’. Mi autora favorita, Lucia Berlin, vivió en Chile gran parte de su infancia y escribe historias sobre su tiempo allí. Es una chilena notable que me encanta, entre otros lugares vivió de forma nómada.
¿Hay algún consejo que te gustaría dar a la gente que empieza con la música?
Trabaja todo lo que puedas, haz que todo sea difícil, cree que no te pasa nada, come, duerme, vive y habla de tu oficio, vívelo de verdad, sé lo suficientemente fuerte para saber que el sufrimiento no es el centro del arte, sino tu imaginación y cómo tu imaginación se relaciona con el magnetismo de todas las cosas. No tengas miedo de discutir, palabras de paz es todo lo que tienes que decir. Defiende a los pequeños. Escribe una canción para tu madre.
El futuro de Austin Stambaugh
Austin tiene en marcha tres álbumes para el 2025. El primero es un disco en vivo en solitario titulado Live From The Hole In The Wall ATX, grabado en marzo durante sus viajes por el estado de Lonestar. Además, su proyecto The Electric Weepers registró recientemente un EP en vivo en Akron, Ohio. Planean lanzar una compilación de Way Down Here On Earth junto con el nuevo EP Catch A Feeling, bajo el título The Akron Tapes, con el objetivo de establecer un perfil sólido para la banda y expandir su catálogo.
En agosto, publicará un Álbum de versiones de canciones de Ernest Tubb, grabado junto al intérprete de steel Lynn Owsley. Para este trabajo, reestructuró los temas con acordes menores y ritmos de seis/ocho, además de crear arreglos gemelos de guitarra eléctrica y steel junto a Owsley para darle mayor autenticidad. Su meta es lanzar hasta cuatro discos en 2025, con la esperanza de que el Álbum de Ernest Tubb, que saldrá en vinilo, ayude a financiar futuros proyectos.
Paralelamente, The Electric Weepers está desarrollando un Álbum de estudio en Nashville con sus mejores canciones, aunque el proceso avanza con cautela, ya que el financiamiento es un desafío constante.
Por último, este abril marcará un hito en su carrera con su primera gira europea, donde recorrerá el Reino Unido y Francia en formato solista, llevando sus canciones desde el corazón hacia el mundo.

